25 Art Spaces
2 Venues
The third annual Art Central Rotterdam XL will have a makeover for the year 2024. It will hit the cultural agenda twice! The first episode will take place in the heart of the city between the 2nd and 11th of February 2024 and it will be an official part of the Rotterdam Art Week. Just as the winter season begins dynamically and the city becomes a cultural hub, Art Central Rotterdam XL seeks to highlight the cultural fermentation that is taking place in Rotterdam by bringing together a series of contemporary art spaces and galleries, local cultural institutions and artist-run spaces under one roof in a curated exhibition. Marijn Bril, Art Central Rotterdam XL’s curator, delivers an exhibition that is tailored to the specific dynamics of the exhibition spaces, creating an engaging experience for visitors on the one hand, and adding to the opportunity to reach a wider audience on the other. De GOOT, a very centrally located new cultural venue is chosen to host the exhibition spread in two spaces on the Beurstraverse 154 & Beurstraverse 111.
Open in the
weekends
02–04, 09–11 Feb '24
12.00–18.00 hrs
De Goot
Beurstraverse 154
Beurstraverse 111
Beurstraverse
An ounce of information is worth a pound of data
Curated by
The Threedimensional Plane, 2024
Johannes Langkamp.
Courtesy of Studio Seine
Kinetic sculpture; paper, metal, wood & motor; 25×37×19 cm
EN: Langkamp’s artistic vision is characterized by a sense of playful wonder, manifested in his exploration of the interplay between process and outcome. He makes these research processes visible through various mediums, including kinetic models, videos, photographic techniques, and spatial installations. His experiments with material, situations, and displays seek ways to question our viewing behavior and thus broaden our perspective on reality. His processes and results equally showcase a creator with the playful gaze of an explorer and examine the interaction between his field of view and the viewer’s experience.
NL: Langkamps artistieke visie wordt gekenmerkt door een gevoel van speelse verwondering, die tot uiting komt in zijn onderzoek naar de wisselwerking tussen proces en resultaat. Hij maakt deze onderzoeksprocessen zichtbaar via verschillende media, waaronder kinetische sculpturen, video’s, fotografische technieken en ruimtelijke installaties. Zijn experimenten met materiaal, situaties en displays zoeken naar manieren om ons kijkgedrag in twijfel te trekken en zo ons perspectief op de werkelijkheid te verbreden.
Zijn processen en resultaten tonen een maker met de speelse blik van een avonturier en onderzoeken de interactie tussen zijn eigen blikveld en de ervaring van de kijker.
Blickwirbel (Eye Swirl), 2022
Johannes Langkamp.
Courtesy of Studio Seine
Kinetic sculpture; metal structure, paper, carbon, wood, clamp, motor unit, and mechanical components; 40×38×8,5 cm
EN: Langkamp’s artistic vision is characterized by a sense of playful wonder, manifested in his exploration of the interplay between process and outcome. He makes these research processes visible through various mediums, including kinetic models, videos, photographic techniques, and spatial installations. His experiments with material, situations, and displays seek ways to question our viewing behavior and thus broaden our perspective on reality. His processes and results equally showcase a creator with the playful gaze of an explorer and examine the interaction between his field of view and the viewer’s experience.
NL: Langkamps artistieke visie wordt gekenmerkt door een gevoel van speelse verwondering, die tot uiting komt in zijn onderzoek naar de wisselwerking tussen proces en resultaat. Hij maakt deze onderzoeksprocessen zichtbaar via verschillende media, waaronder kinetische sculpturen, video’s, fotografische technieken en ruimtelijke installaties. Zijn experimenten met materiaal, situaties en displays zoeken naar manieren om ons kijkgedrag in twijfel te trekken en zo ons perspectief op de werkelijkheid te verbreden.
Zijn processen en resultaten tonen een maker met de speelse blik van een avonturier en onderzoeken de interactie tussen zijn eigen blikveld en de ervaring van de kijker.
Ongoing Discussion about Ratio, 2022
Johannes Langkamp.
Courtesy of Studio Seine
Kinetic sculpture; wooden structure, paper, metal, motor unit, and mechanical components; 63×28×11 cm
EN: Langkamp’s artistic vision is characterized by a sense of playful wonder, manifested in his exploration of the interplay between process and outcome. He makes these research processes visible through various mediums, including kinetic models, videos, photographic techniques, and spatial installations. His experiments with material, situations, and displays seek ways to question our viewing behavior and thus broaden our perspective on reality. His processes and results equally showcase a creator with the playful gaze of an explorer and examine the interaction between his field of view and the viewer’s experience.
NL: Langkamps artistieke visie wordt gekenmerkt door een gevoel van speelse verwondering, die tot uiting komt in zijn onderzoek naar de wisselwerking tussen proces en resultaat. Hij maakt deze onderzoeksprocessen zichtbaar via verschillende media, waaronder kinetische sculpturen, video’s, fotografische technieken en ruimtelijke installaties. Zijn experimenten met materiaal, situaties en displays zoeken naar manieren om ons kijkgedrag in twijfel te trekken en zo ons perspectief op de werkelijkheid te verbreden.
Zijn processen en resultaten tonen een maker met de speelse blik van een avonturier en onderzoeken de interactie tussen zijn eigen blikveld en de ervaring van de kijker.
ESCALATOR, 2023
Rolf den Dunnen & Saminte Ekeland.
Courtesy of EYE LOVE YOU ARTSPACE
Video, 4 minutes
EN: A Rotterdam subway escalator is transformed into a fluid stream. We see a reflection of everyday reality in an alienating visual language. The travelers on the escalator are carried along, stretched, and transformed. Rolf den Dunnen ‘found’ the moving image in reality without filters or special editing techniques. Through his camera lens, he reveals a hidden urban flow that is now shown in the underground Goot.
NL: Een Rotterdamse metro roltrap wordt getransformeerd in een vloeistofstroom. We zien een reflectie van de dagelijkse realiteit in een vervreemdende beeldtaal. De reizigers op de roltrap worden meegevoerd, uitgerekt en getransformeerd. Rolf den Dunnen heeft het bewegende beeld ‘gevonden’ in de werkelijkheid zonder filters of speciale montagetechnieken. Door de cameralens onthult hij een stedelijke stroming die nu in de ondergrondse Goot wordt vertoond.
SUBWAY, 2014
Rolf den Dunnen & Saminte Ekeland.
Courtesy of EYE LOVE YOU ARTSPACE
Mixed media, 50×50 cm
EN: Saminte Ekeleand constructs an abstract metro network of Rotterdam out of sewn lines of black linen thread and torn pieces of paper from medical textbooks which she attaches with pins to transparent plastic. In fact, the work reveals a parallel network. Just as the metro transports bodies through physical space, this representation hints at a similar network existing within our bodies.
NL: Saminte Ekeleand construeert
een abstract Rotterdams metronetwerk uit genaaide lijnen van zwart linnen garen en gescheurde stukken papier uit medische studieboeken die ze met spelden op transparant plastic bevestigt. In feite onthult het werk een parallel netwerk. Net zoals de metro lichamen door de fysieke ruimte vervoert, verwijst deze voorstelling naar een soortgelijk netwerk binnen ons lichaam.
Unfinished worlds, 2023
Giuditta Vendrame.
Courtesy of CBK
Installation; cobblestones and nails; variable dimensions
EN: We are largely accustomed to physical and political maps to orient ourselves, yet tend to overlook their
complex nature and grids. The geographic coordinate system, established by Ptolemy in the second century AD, forms the basis for modern maps. According to geographer Franco Farinelli, this system effectively domesticated the globe into spatial understanding. Maps historically served purposes of spatial orientation, control, occupation, and colonization. Giuditta Vendrame deconstructs and reinterprets maps and globes in her works. Using cobblestones and nails, she creates a link between the ordinary surfaces we navigate daily and the sky. The nails, resembling upward-pointing mini monuments, symbolize the ‘set of points’ derived from astronomical observations, forming new connections. These dotted maps can be seen as Unfinished Worlds, transforming maps from instruments of control to tools
for imagination.
NL: We zijn doorgaans vertrouwd met het gebruik van fysieke en politieke kaarten om ons te oriënteren, maar hebben de neiging om hun complexe aard en rasters over het hoofd te zien. Het geografische coördinatenstelsel, vastgesteld door Ptolemaeus in de tweede eeuw na Christus, vormt de basis voor moderne kaarten. Volgens geograaf Franco Farinelli heeft dit systeem de wereldbol effectief gedomesticeerd tot een ruimtelijk begrip. Kaarten dienden historisch gezien voor ruimtelijke oriëntatie, controle, bezetting en kolonisatie. Giuditta Vendrame deconstrueert en herinterpreteert kaarten en globes
in haar werk. Met behulp van kasseien en spijkers creëert ze een link tussen de gewone oppervlakken waar we dagelijks doorheen navigeren en de hemel. De spijkers, die lijken op naar boven gerichte mini-monumenten, symboliseren de ‘reeks punten’ die zijn afgeleid van astronomische waarnemingen, waardoor nieuwe verbindingen worden gevormd.
Deze gestippelde kaarten kunnen worden gezien als Unfinished Worlds, die kaarten transformeren van controle-instrumenten tot gereedschappen voor de verbeelding.
SUEZ, 2023
Hans Wilschut.
Courtesy of OMI Rotterdam
Video, 76 minutes
EN: The Suez Canal is one of the world’s main transport routes, a waterway that connects Asia, the Middle East, and Europe. It is vital for transporting natural gas and oil from the Middle East and products from China. Hans Wilschut spent days filming the mouth of the Suez Canal from the Egyptian city of the same name. A constant line of bulk carriers and oil tankers pass through the narrow opening of the canal. The work captures both the ceaseless flow of goods and the fragility of this lifeline of the global economy. World trade ground to a halt in 2021 when the MV Ever Given, a 400-metre-long cargo ship carrying 20,000 containers on its way to Rotterdam, ran aground in the canal.
NL: Het Suezkanaal is een van de belangrijkste verkeersaders ter
wereld, een waterweg tussen Azië,
het Midden-Oosten en Europa.
Het is cruciaal voor het vervoer van aardgas en olie uit het Midden-Oosten, en voor producten vanuit China. Dagenlang filmde Hans Wilschut de monding van het Suezkanaal vanuit de gelijknamige Egyptische plaats. Onophoudelijk glijden de bulkcarriers en olietankers door de nauwe opening van het kanaal. Het werk verbeeldt de continue stroom aan goederen, maar ook de kwetsbaarheid van deze levensader van de wereldeconomie. In 2021 stokte de wereldhandel, toen het 400 meter lange containerschip MV Ever Given, met 20.000 containers op weg naar Rotterdam, vast kwam te liggen in het kanaal.
Terminal, 2019
Jan Ros.
Courtesy of Contempo Galerie
Oil on panel, 97×165 cm
EN: Architecture and the built environment are regular subjects in the work of Jan Ros. The main motifs
in his paintings are apartment buildings, villas, interiors, office clusters, and highways, which he paints in such a way that the viewer
is stimulated to look again at these everyday subjects and situations.
In this work, a terminal in Japan, the graphic lines combined with strong backlighting underscore the desolate nature of the space.
NL: Architectuur en de bebouwde omgeving zijn regelmatig terukerende onderwerpen in het werk van Jan Ros. De belangrijkste motieven in zijn schilderijen worden gevormd door flatgebouwen, villa’s, interieurs, kantoorclusters en snelwegen, die hij op zodanige wijze schildert dat de toeschouwer wordt geprikkeld opnieuw te kijken naar deze alledaagse onderwerpen en situaties. In dit werk, een terminal in Japan, onderstreept de grafische belijning in combinatie met sterk tegenlicht het desolate karakter van de ruimte.
Forming Synchrony, 2016
Sjoerd Knibbeler.
Courtesy of ROOF-A
4K video, 7 minutes 22 seconds
EN: Seated in a hangar in Salon de Provence, the pilots of Patrouille de France imagine flying through the air. This functional exercise is a permanent part of the training program of this military aerobatic flying team. The coded hand movements simulate the controls of the Alpha Jets and serve to ingrain the air show into muscle memory routinely. Each individual has their own position and role in the formation in the air, in which the fighter jets sometimes approach each other within a few meters. Achieving synchronicity is, therefore, of vital importance.
NL: Gezeten in een hangar in Salon de Provence vliegen de piloten van Patrouille de France in gedachten door de lucht. Deze functionele oefening is een vast onderdeel in het trainingsprogramma van dit militaire acrobatische vliegteam. De gecodeerde handbewegingen simuleren de besturing van de Alpha Jets en dienen om de airshow routinematig in het spiergeheugen te prenten. Iedere individu heeft zijn eigen positie en rol in de formatie in de lucht, waarin de straaljagers elkaar soms tot op enkele meters naderen. Het bereiken van synchroniciteit is daarom van levensbelang.
Untitled, 2019
Marco Barbier.
Courtesy of Galerie Atelier Herenplaats
Acrylic paint, ink on canvas
EN: As a Rotterdam artist, the numerous ships in the harbor and the bridges over the water inspire Marco Barbier to paint them in simple forms. Usually, Marco works in series. He alternates boats or buildings with human figures and bridges. He works on paper with acrylic paint, which he applies monochromatically, framing the image with a black line. Because he paints his subjects without a horizon or ground line, they float in space.
NL: De talloze schepen in de haven en de bruggen over het water geven de Rotterdamse kunstenaar Marco Barbier de inspiratie om die in eenvoudige vormen te schilderen. Meestal werkt Marco in series.
Boten of gebouwen wisselt hij af met mensfiguren en bruggen. Hij werkt op papier met acrylverf, die hij monochroom aanbrengt en waarbij hij de afbeelding omkadert met een zwart lijntje. Doordat hij zijn onderwerpen zonder horizon of grondlijn schildert gaan ze zweven in de ruimte.
Oilfields, 2021
Johannes Steendam.
Courtesy of Neck Of The Woods
Used motor oil on heavy paper, 70×100 cm
EN: Johannes Steendam creates his Oilfields series with used motor oil. The colors of the lines and strokes depend on the engine, the car’s usage, and the owner’s maintenance practices. The fluidity of the oils and the different ochre-like tones create an unsharp image with atmospheric depths that play with transparency and contrast. The technique enables him to create lines without physically painting them; they gradually emerge over time as the paper absorbs the oil. This unconventional medium has traversed a remarkable journey throughout the planet’s history. Originating as a crude substance, it has undergone millions of years of formation until being extracted from the ground, refined, and distilled into a usable form that propels movement and speed.
NL: Johannes Steendam creëert zijn Oilfields-serie door gebruikte motorolie te benutten. De kleuren van de lijnen en strepen worden beïnvloed door de specifieke motor, het autogebruik en de wijze waarop de eigenaar het onderhoud heeft gepleegd. Door de vloeibaarheid van de olie en de diverse okerachtige tinten ontstaat een onscherp beeld met atmosferische dieptes, wat een spel met transparantie en contrast oplevert. De toegepaste techniek stelt Steendam in staat om lijnen te genereren zonder ze fysiek op het doek te schilderen; ze ontstaan geleidelijk na verloop van tijd doordat het papier de olie absorbeert. Dit onconventionele medium heeft een opmerkelijke reis door de geschiedenis van de planeet doorgemaakt. In oorsprong is het een ruwe substantie die gedurende miljoenen jaren is gevormd, totdat het uiteindelijk uit de grond werd gehaald, geraffineerd en gedestilleerd tot een bruikbare vorm die beweging en snelheid aandrijft.
Future Scenarios for The Waterworks of Money, 2023
Carlijn Kingma.
Courtesy of Gallery Untitled
Three fine art prints, 76×56,5 cm
EN: Charting the influence of big money on our society, Carlijn Kingma draws parallels between money and water, portraying the financial system as an irrigation network. A production of cartographer Carlijn Kingma in collaboration with investigative journalist Thomas Bollen and researcher Martijn Jeroen van
der Linden.
NL: Carlijn Kingma brengt de invloed van het grote geld op onze samen-leving in kaart en trekt parallellen tussen geld en water, waarbij ze het financiële systeem afbeeldt als een irrigatienetwerk. Een productie van cartograaf Carlijn Kingma in samen-werking met onderzoeks-journalist Thomas Bollen en onderzoeker Martijn Jeroen van der Linden.
Memo From Me, 2024
Ruud Goedhart.
Courtesy of Nieuw Charlois
Painting installation
EN: Ruud Goedhart focuses on ordinary, unassuming objects that don’t clamor for immediate attention but quietly exist in the background. Whether presenting them in isolation to let them subtly ‘shine’ or returning them to their inconspicuous original placement, Goedhart explores the interplay between abstraction and figuration, pushing the boundaries of painting and object. He uses tempera, decor and wall paint, charcoal, and pencil on unprepared linen or canvas, only occasionally introducing color when it serves a functional purpose and aligns with the overall concept. The works are created in series of the same subject, after which he isolates them, combines them, or processes them in a ‘painting installation.’
NL: Ruud Goedhart richt zich op gewone, onopvallende objecten, die niet schreeuwen om onmiddellijke aandacht maar stilletjes op de achtergrond bestaan. Of hij ze nu in afzondering presenteert om ze subtiel te laten ‘schitteren’ of ze terugbrengt naar hun onopvallende oorspronkelijke plaats, Goedhart verkent de wisselwerking tussen abstractie en figuratie en verlegt de grenzen tussen schilderij en object. Hij gebruikt tempera, decor- en muurverf, houtskool en potlood op ongeprepareerd linnen of canvas en past alleen kleur toe als het functioneel is en past binnen het concept. De werken ontstaan in series met hetzelfde onderwerp waarna hij ze isoleert, samenvoegt of verwerkt in een ‘schilderinstallatie’.
New Babylon Times, 2023
Alan Smart.
Courtesy of PrintRoom
Risograph print on paper, fifty A3 sheets
EN: Beginning in 1959 and extending into the 1970s, Dutch artist Constant Nieuwenhuys developed a project called New Babylon. This project envisioned the architecture of a future city—a vast megastructure spanning the entire globe. In this imagined city, humanity, liberated from all non-playful production thanks to automated subterranean factories, would wander freely, constructing ‘atmospheres’ as they went. With the New Babylon Times, Alan Smart considers Constant’s project in the context of a lineage of textual, performative, event-based, and other ‘non-object’ practices. It positions the project in relation to the resurgent avant-garde in art and its connections to architecture, urbanism, and political struggles centered around urban space.
NL: Vanaf 1959 tot in de jaren 1970 ontwikkelde de Nederlandse kunstenaar Constant Nieuwenhuys een project dat hij New Babylon noemde. Dit project stelde de architectuur van een toekomstige stad voor - een enorme megastructuur die zich over de hele wereld uitstrekte. In deze denkbeeldige stad zou de mensheid, bevrijd van alle niet-spelende productie dankzij geautomatiseerde ondergrondse fabrieken, vrij rondlopen en onderweg ‘sferen’ construeren. Met de New Babylon Times, beschouwt Alan Smart Constants project in de context van een reeks tekstuele, performatieve, op evenementen gebaseerde en andere ‘niet-objectachtige’ praktijken. Het plaatst het project in relatie tot de heroplevende avant-garde in de kunst en haar connecties met architectuur, urbanisme en politieke strijd rond stedelijke ruimte.
BILLENNIUM, 2021
Anna Moreno.
Courtesy of Joey Ramone
Video-installation; 200×100 cm; 11 minutes
EN: BILLENNIUM explores how certain 1970s utopian architectural projects for communal living could be re-signified in the light of a post-apocalyptic, quasi-future reality governed by an economy based on the social lives of honeybees. The metallic structure is based on the modular architecture developed by Spanish architect Ricardo Bofill’s Taller de Arquitectura during the 1970s, such as Walden 7 (1975) near Barcelona. The title is borrowed from the dystopian literature of science fiction author J.G. Ballard and his short story Billennium (1962), which describes claustrophobia and paralysis in an overpopulated world.
NL: BILLENNIUM onderzoekt hoe bepaalde utopische architecturale projecten voor gemeenschappelijk wonen uit de jaren 1970 een nieuwe betekenis zouden kunnen krijgen in het licht van een post-apocalyptische, quasi-toekomstige realiteit die wordt geregeerd door een economie gebaseerd op het sociale leven van honingbijen. De metalen structuur is gebaseerd op de modulaire architectuur die in de jaren 1970 werd ontwikkeld door het Taller de Arquitectura van de Spaanse architect Ricardo Bofill, zoals Walden 7 (1975) in de buurt van Barcelona. De titel is ontleend aan de dystopische literatuur van sciencefiction auteur J.G. Ballard en zijn korte verhaal Billennium (1962), dat claustrofobie en verlamming beschrijft in een overbevolkte wereld.
Formule 1-piloot met chauffeur, 2022
Kamagurka.
Courtesy of Christian Ouwens Galerie
Steel sculpture, 18,5×50×0,5 cm
EN: Kamagurka, pseudonym of Luc Zeebroek, is a Belgian cartoonist, theater, and television producer and artist. Kamagurka is known for his cartoons (in NRC, for example) and television shows. Building on his cartoons, he creates sculptures, so-called aerial drawings, in which his line drawings leave the paper and become spatial.
NL: Kamagurka, pseudoniem van Luc Zeebroek, is een Belgisch cartoonist, theater- en televisiemaker en kunstenaar. Kamagurka staat bekend om zijn cartoons (in bijvoorbeeld NRC) en tv-shows. Voortbouwend op zijn cartoons maakt hij beelden, zogenaamde luchttekeningen, waarbij zijn lijntekeningen het papier verlaten en ruimtelijk worden.
Recommendation, 2021
Alban Karsten.
Courtesy of Frank Taal Galerie
Polished aluminium, dimensions variable
EN: Recommendation is an ongoing series of sculptural open and less open-ended questions, hidden agendas, visionary messages, motivational statements with impenetrable logic, funnel-shaped phrases, sales-improving strategies disguised as genuine concern, restrictive interrogations, ambitious but loyal sentences, and friendly demands.
NL: Recommendation is een doorlopende reeks sculpturale open en minder open vragen, verborgen agenda’s, visionaire boodschappen, motiverende uitspraken met een ondoordringbare logica, trechtervormige zinnen, verkoop-bevorderende strategieën vermomd als oprechte bezorgdheid, beperkende ondervragingen, ambitieuze maar loyale zinnen en vriendelijke eisen.
Out of Place series: Tinubu Street, 2016
Bas Losekoot.
Courtesy of Contour Gallery
Photography, sticker
EN: We are facing the biggest wave of urbanization in human history. How does this fast-growing population density influence the behavior of everyday commuters in the streets of the world’s most crowded megacities? With his project Out of Place, Bas Losekoot provides insight into the psychological journey of commuters in modern megacities. Placing his camera in liminal spaces of the city, he is addressing the state of in-betweenness of everyday dwelling. With an intuitive eye, he observes the ‘presentation of self’ and ‘micro-second meetings’ that prevail in everyday urban encounters. He succeeds in distilling the extraordinary out of the banal; displaying an intimate, thought-provoking vision of private lives in the public domain.
NL: We worden geconfronteerd met de grootste golf van verstedelijking in de geschiedenis van de mensheid. Hoe beïnvloedt deze razendsnelle bevolkingsgroei het gedrag van dagelijkse forenzen in de drukke straten van ‘s werelds meest overvolle megasteden? Met zijn project Out of Place biedt Bas Losekoot inzicht in de psychologische reis van forenzen in moderne megasteden. Door zijn camera te positioneren in de grensgebieden van de stad, verkent hij de tussenwereld van het alledaagse leven. Met een intuïtief oog observeert hij de ‘presentatie van het zelf’ en de ‘microseconde-ontmoetingen’ die de overhand hebben in alledaagse stedelijke ontmoetingen. Hij slaagt erin het buitengewone te distilleren uit het alledaagse; een intieme, tot nadenken stemmende visie op privélevens in het publieke domein.
King William Street, 2015
Bas Losekoot.
Courtesy of Contour Gallery
Photography, sticker
EN: We are facing the biggest wave of urbanization in human history. How does this fast-growing population density influence the behavior of everyday commuters in the streets of the world’s most crowded megacities? With his project Out of Place, Bas Losekoot provides insight into the psychological journey of commuters in modern megacities. Placing his camera in liminal spaces of the city, he is addressing the state of in-betweenness of everyday dwelling. With an intuitive eye, he observes the ‘presentation of self’ and ‘micro-second meetings’ that prevail in everyday urban encounters. He succeeds in distilling the extraordinary out of the banal; displaying an intimate, thought-provoking vision of private lives in the public domain.
NL: We worden geconfronteerd met de grootste golf van verstedelijking in de geschiedenis van de mensheid. Hoe beïnvloedt deze razendsnelle bevolkingsgroei het gedrag van dagelijkse forenzen in de drukke straten van ‘s werelds meest overvolle megasteden? Met zijn project Out of Place biedt Bas Losekoot inzicht in de psychologische reis van forenzen in moderne megasteden. Door zijn camera te positioneren in de grensgebieden van de stad, verkent hij de tussenwereld van het alledaagse leven. Met een intuïtief oog observeert hij de ‘presentatie van het zelf’ en de ‘microseconde-ontmoetingen’ die de overhand hebben in alledaagse stedelijke ontmoetingen. Hij slaagt erin het buitengewone te distilleren uit het alledaagse; een intieme, tot nadenken stemmende visie op privélevens in het publieke domein.
The Gully, 2024
Aletta de Jong.
Courtesy of H(a)L Het Archief
Olivine, dimensions variable
EN: Aletta de Jong has installed a surface of Olivine rock at the entrance. This intervention both emphasizes and softens the transition from the natural stone-clad outdoor space of the shopping gully to the concrete interior of the store. As visitors walk over the Olivine gravel,
it will slowly break into smaller pieces. The physical weathering causes the Olivine rock to capture small amounts of CO2 gas. This carbon compound is increasing in our atmosphere – partly due to our excessive consumerism – resulting in changes in the climate. Together with consumers, the work The Gully reverses this increase by capturing CO2.
NL: Aletta de Jong heeft een oppervlak van Olivijnsteen geïnstalleerd bij de ingang. Deze ingreep benadrukt en verzacht de transitie van de met natuursteen beklede buitenruimte van de koopgoot naar de betonnen binnenruimte van de winkel. Doordat de bezoekers over het Olivijn gesteente lopen zal het langzaam opbreken in kleinere stukjes.
De fysieke verwering zorgt ervoor dat het Olivijn-gesteente kleine hoeveelheden CO2-gas opneemt. Deze koolstofverbinding neemt toe in onze atmosfeer – onder andere omdat wij overmatig consumeren – met veranderingen in het klimaat als gevolg. Het werk The Gully keert samen met de consument deze toename om, en neemt CO2 op.
Silencio Profundo, 2009
Anna Lange.
Courtesy of ZERP Galerie
Sculpture; neon on sink; 62,5×372×16 cm
EN: The neon sculpture Silencio Profundo consists of punctuation marks that work like a code.
What kind of code? What is included and excluded? What remains in the tangle of messages and information? Is it redundancy or, ultimately, a deep silence that invites us to contemplation?
NL: De neon sculptuur Silencio Profundo bestaat uit leestekens die werken als een code. Wat voor code? Wat wordt er in- en uitgesloten? Wat blijft er over in de wirwar aan berichten en informatie? Is het redundantie of uiteindelijk een diepe stilte, die ons uitnodigt tot contemplatie?
Boog diepblauw, 2016
Sarah van der Lijn.
Courtesy of PHOEBUS Rotterdam
Oil pastel and pencil on plywood, 160×107×11,5 cm
EN: With pencils, Sarah van der Lijn draws thousands of ‘equal singles,’ small circles on paper or a panel. The work is drawing and sculpture at the same time. It has a painterly look, from a distance, you can see the color differences between clusters of ‘equal singles,’ presumably drawn on a single day.
NL: Met potlood tekent Sarah van der Lijn duizenden ‘gelijke enkelen’, kleine rondjes op papier of een paneel. Het werk is tekening en sculptuur tegelijk. Het heeft een schilderkunstige uitstraling, van een afstand zie je de kleurverschillen tussen clusters ‘gelijke enkelen’, vermoedelijk getekend op één dag.
Substrate V / Thinksystem V2, 2022
Ruben Mols.
Courtesy of CHAxARTxRTM
Sculpture; steel, lacquer, MDF, plywood (birch); 71×30×120 cm
EN: Ruben Mols’ works are the result of his fascination with information and communication technologies and how they affect our daily lives in aspects such as communication, education, work, and governance. Mols argues that, as consumers, we lack options to participate in the development of digital devices. “Society is guided by technological experiments whose outcomes are uncertain and unclear.” In an attempt to address this one-sided relationship, Mols began dissecting digital devices to take a look behind the scenes. Here, the artist found a visual language that inspired a series of sculptures titled Substrates. The works act as speculative machines that aim to stimulate the viewer’s imagination.
NL: De werken van Ruben Mols zijn het resultaat van zijn fascinatie voor informatie- en communicatie-technologieën en hoe deze ons dagelijks leven beïnvloeden in aspecten zoals communnicatie, educatie, werk, en bestuur. Mols stelt dat we als consumenten te beperkt zijn in het vermogen deel te nemen aan de ontwikkeling van digitale apparatuur. “De samenleving wordt geleid door technologische experimenten waarvan de uitkomsten onzeker en onduidelijk zijn”. In een poging deze eenzijdige relatie aan te kaarten is Mols digitale apparaten gaan ontleden om een kijkje te nemen achter de schermen. Hier vond de kunstenaar een beeldtaal die de inspiratiebron werd voor een serie sculpturen met de titel Substrates (substraten). De werken fungeren als speculatieve machines die tot doel hebben de verbeelding van de toeschouwer te prikkelen.
The Cloud Is The New Infinity, 2017
Douglas Coupland.
Courtesy of Kunstinstituut Melly
Archival inkjet print on watercolor paper, 60×70 cm
EN: With The Cloud Is The New Infinity, Douglas Coupland presents a brand new work for his Slogans for the Twenty-First Century project. Coupland states, “If you were to attach a stick to each of these slogans and carry them in the street, would they read as a protest or would they read as complicit guilt? For example, twenty years from now, were I to look at a picture of someone holding up a slogan reading ‘being middle class was fun,’ would that read as heartbreaking prescience or as rational acceptance of a by then sociological certainty?”
NL: Met The Cloud Is The New Infinity presenteert Douglas Coupland een geheel nieuw werk binnen zijn Slogans for the Twenty-First Century project. Coupland vraagt zich af: “Als je aan elk van deze slogans een stok zou bevestigen en ze op straat zou dragen, zouden ze dan overkomen als protest of als een uiting van medeplichtig schuldgevoel? Als ik bijvoorbeeld over twintig jaar naar een foto kijk van iemand die een slogan omhoog houdt met ‘being middle class was fun’, zou dat dan gezien worden als een pijnlijk vooruitziende blik of als een berustende acceptatie van wat dan een sociologische realiteit is?”
Protect Me, 2017
Tonio de Roover.
Courtesy of WTC Rotterdam Art Gallery
Assembly; steel, aluminum, paint; 318×239×76 cm
EN: Tonio de Roover’s work plays with the tension between material and its social, psychological, and societal significance. By subtly pulling apart appearance, form, purpose, and use, his sculptures expose the paradox between meaning and support and between univocality and material, creating new, alienating elements. The shape of his sculpture Protect Me refers to a fence, the colors rather to a playground. The title of the work suggests a desire for protection. The work balances shelter and constraint, forming a visual representation of a spatial structure designed to safeguard its content.
NL: Het werk van Tonio de Roover speelt met de spanning tussen materiaal en de sociale, psychologische en maatschappelijke betekenis ervan. Door op subtiele wijze verschijning, vorm, doel en gebruik uiteen te trekken, leggen zijn sculpturen de paradox bloot tussen betekenis en drager en tussen eenduidigheid en materiaal, waardoor er nieuwe, vervreemdende elementen ontstaan. De vorm van het werk Protect Me verwijst naar een hekwerk, de kleuren eerder naar een speeltuin. De titel suggereert een verlangen naar bescherming. Het werk balanceert tussen beschutting en belemmering, een visuele voorstelling vormt van een ruimtelijke structuur die ontworpen is om de inhoud te beschermen.
On Spam, Comment Spam # 182, 2024
Niels Post.
Courtesy of NL=US Art
Hand sawn and lacquered poplar plywood, 480×40×1,8 cm
EN: On Spam, Comment Spam is an ongoing series in which Niels Post uses messages from the spam filter of the comments section of his websites as source material for a wide range of works. Spanning from postcard-sized sculptures to large-scale installations, these creations are consistently crafted by hand in Arial, one of the ten core fonts of the internet.
NL: On Spam, Comment Spam is een doorlopende serie waarin Niels Post berichten uit het spamfilter van de commentaar sectie van zijn websites gebruikt als bronmateriaal voor een diverse reeks aan werken. Deze werken, die variëren van sculpturen ter grootte van een ansichtkaart tot grootschalige installaties, worden consequent met de hand gemaakt in Arial, een van de tien kern lettertypen van het internet.
Exposition, 2024
Tom K Kemp.
Courtesy of Huidenclub
4K digital film, 13 minutes
EN: In Exposition, a collection of antique musical automata in the Swiss Alps appear to speak with new voices about the maintenance of unmaintainable systems. The film is made with Fredy’s Mechanisches Musikmuseum, a private collection of automata that has been missing a maintenance engineer since the museum’s owner was killed in 2012. Now seemingly left to malfunction, the automata perform a firsthand account of working in the global anti-corruption industry and gradually disclose a series of processes hidden from the viewer, including the legal logics and metaphysical ethics that underpin financial compliance, their own lifelike mimicry, and the material production of the film itself.
NL: In Exposition lijkt een verzameling antieke muziekautomaten in de Zwitserse Alpen met nieuwe stemmen te spreken over het onderhoud van onbeheerde systemen. De film is gemaakt in samenwerking met Fredy’s Mechanisches Musikmuseum, een privécollectie automaten die een onderhoudsmonteur mist sinds de eigenaar van het museum in 2012 werd vermoord. De automaten, die nu schijnbaar aan hun lot worden overgelaten, doen uit de eerste hand verslag van hun werk in de wereldwijde anticorruptie-industrie en onthullen geleidelijk een reeks processen die voor de kijker verborgen blijven, waaronder de juridische logica en metafysische ethiek die ten grondslag liggen aan financiële naleving, hun eigen levensechte nabootsing en de materiële productie van de film zelf.
Subdivide and Restructure II, 2024
Jelmer Noordeman.
Courtesy of Murals Inc.
Wall paint, 340×380 cm
EN: Subdivide and Restructure II is a new mural that references the work of the same name and a size of 3×12.5 m that is now on view in the exhibition The Atomic Number at Murals Inc. Through the exploration of various rhythms, a new coherence emerges, seamlessly intertwining movement and stillness. Information undergoes fragmentation and is subsequently methodically reorganized into a unified whole. Our natural inclination toward classification, as a means of gaining control, is evident in this piece. Within the mural, one discovers a rational composition that generates new compositions within itself. The focal point oscillates between the properties of individual bars.
NL: Subdivide and Restructure II is een nieuwe muurschildering dat verwijst naar het werk met dezelfde naam en een afmeting van 3×12,5 m dat te zien is in de tentoonstelling The Atomic Number bij Murals Inc. Door de verkenning van verschillende ritmes ontstaat er een nieuwe samenhang, waarin beweging en stilstand naadloos met elkaar verweven raken. Informatie ondergaat fragmentatie en wordt vervolgens methodisch gereorganiseerd tot een samenhangend geheel. Onze natuurlijke neiging tot classificatie, als een middel om controle te verkrijgen, is duidelijk zichtbaar in dit werk. Binnen de muurschildering ontdekt men een rationele compositie die nieuwe composities binnen zichzelf genereert. De focus wisselt af tussen de eigen-schappen van individuele stroken.
Mirror Barricade, 2016
Tools for Action x Theater of Dortmund.
Courtesy of Garage Rotterdam
Site-specific inflatable installation, dimensions variable
EN: The Mirror Barricade is a social sculpture consisting of silver reflective inflatable cubes that can be assembled within seconds into a barricade. When thrown into the air, the cubes turn the street into a playground. The poetic and lightweight tools were built by high school students and inhabitants of Dortmund in collaboration with Tools for Action and the Theatre of Dortmund, in order to protest against a Neo-Nazi march in their city. School students learned how to construct barricades from household materials and how to use them for coordinated, collective action. These choreographies of protest were enacted on the day of action when some held up a mirror to the participants of the march to reflect back the hatred and violence, while others blockaded the streets to physically position themselves against xenophobia and right-wing extremism.
NL: De Mirror Barricade is een sociale sculptuur die bestaat uit zilveren reflecterende opblaasbare kubussen die binnen enkele seconden in elkaar gezet kunnen worden tot een barricade. Wanneer de kubussen in
de lucht gegooid worden, veranderen ze de straat in een speeltuin.
Het poëtische en lichtgewicht gereedschap werd gemaakt door middelbare scholieren en inwoners van Dortmund in samenwerking met Tools for Action en het Theater van Dortmund, om te protesteren tegen een Neonazi-mars in hun stad. Scholieren leerden hoe ze barricades moesten bouwen van huishoudelijke materialen en hoe ze deze konden gebruiken voor gecoördineerde, collectieve actie. Deze choreografieën van protest werden opgevoerd op de dag van de actie, toen sommigen een spiegel voorhielden aan de deelnemers van de mars om de haat en het geweld te weerspiegelen, terwijl anderen de straten blokkeerden om fysiek stelling te nemen tegen vreemdelingenhaat en rechts-extremisme.
Crowds, 2024
bambi van balen | Tools for Action.
Courtesy of Garage Rotterdam
Two-channel HD video, 12 minutes
EN: Crowds documents interventions by Tools for Action as a visual stream of consciousness, where inflatable sculptures are used as crowd attractors and for collective leverage. Built within communal settings as a catalyst for self-organization, the sculptures are put to use as tactical media interventions, as de-escalating tactics in protests, as extensions of the body or as tools for communal remembrance. The video starts with the Hammer at the UN Climate talks in Cancún (2010), a first of May protest in Berlin (2013), climate change protests in New York (2014), an anti-fascist Mirror Barricade in Dortmund (2016), a Trans* Inflatable Body in collaboration with the transgender sex workers community in Bogotá (2018), the 100th year commemoration of the communist revolution in Berlin (2018), ending with a S.O.S. signal for the refugee crisis during the COVID-19 pandemic in The Hague (2020).
NL: Crowds documenteert verschillende interventies van Tools for Action als een visuele stroom van bewustzijn, waarbij opblaasbare sculpturen worden gebruikt als magneten voor mensenmenigte en voor collectieve invloed. De sculpturen zijn in gemeenschappelijke omgevingen gebouwd als katalysator voor zelforganisatie en worden gebruikt als tactische media-interventies, als de-escalerende tactieken bij protesten, als verlengstukken van het lichaam of als hulpmiddelen voor het
gemeenschappelijk herdenken. Het werk begint met de Hammer tijdens de VN-klimaatonderhandelingen in Cancún (2010), een 1 mei-protest
in Berlijn (2013), klimaat protesten in New York (2014), een antifascistische Mirror Barricade in Dortmund (2016), een Trans* Lichaam in samenwerking met de transgender sekswerkersgemeenschap in Bogotá (2018), de 100e herdenking van de communistische revolutie in Berlijn (2018), en eindigt met een S.O.S. signaal voor de vluchtelingencrisis tijdens de COVID-19 pandemie in Den Haag (2020).
Meet the team
Art Central Rotterdam XL is initiated by Muriel Mager, Kiki Petratou and Erika Vati in order to promote synergies and cooperation within the cultural ecosystem of Rotterdam.
-
Muriel Mager
Founder of Contour Gallery – Around 15 years experienced business owner in the art gallery field. The first seven years in The Hague, then in 2017 she opened her own contemporary art gallery in Rotterdam, named: ‘ Contour Gallery ’ Besides owning her own contemporary art gallery. Muriel has a demonstrated history of working in the photography industry. Part of the advisory board of the Cultuurplan Rotterdam 2025-2028 and the commission of Visual Arts in Rotterdam since 2020.
-
Kiki Petratou
Independent curator and founder of JOEY RAMONE – She has a background in Art, (Piet Zwart Institute, Rotterdam) Critical Theory and Media Studies (University of Amsterdam). She has over ten-years experience in presentation and development in the field of art and culture. Her activities include numerous exhibitions and individual events in the programmes of International Film Festival Rotterdam, ROODKAPJE and Route du Nord in Rotterdam, Kunstvlaai - Festival of Independents in Amsterdam, Re-Culture Festival in Greece, a.o. She has curated Attraction of the Opposites at the former space of CUCOSA, current Hoofbogen, Rotterdam. She is currently part of the selection committee of Art Rotterdam.
-
Erika Vati
Founder of Art Index Rotterdam – She has been part of the Art Central Rotterdam initiative since 2019 and was the project co-ordinator of the first Art Central Rotterdam XL in March 2022. Her background is in Media Arts and Film (University of Westminster). She has several years of experience as a producer for film and theater productions across Europe.
-
Marijn Bril
Curator – Marijn Bril is a Rotterdam-based media art curator and researcher with an interest in digital culture in all its complexity and absurdity. She explores media art in its expanded form – from installations to video and sound art, internet art, performance, print, and workshops. Her research approaches topics such as networked image culture, digital metaphors, the experience of time and labor productivity, which take the form of exhibitions, discursive programs, and essays. She curated programs and exhibitions for IMPAKT Centre for Media Culture, The Wrong Biennale, and CIVA Festival and has published essays with Institute of Network Culture, VIEW Journal, Kunstlicht Journal and Archined. Marijn studied Media Studies at Maastricht University and recently graduated from the Erasmus Mundus Joint Excellence Master’s degree Media Arts Cultures at the University for Continuing Education Krems (AT), Aalborg University (DK), and The University of Łódź (PL).
-
Assistants
Yegor Chistiakov, Iolanda Barroccio